foto di Carlo Quartararo

Un Cristo improbabile, una sorta di zingaro con accento slavo, scende dalla croce chiamato da una donna sola, meridionale e fortemente religiosa: nasce un amore e si consuma fino alla sua purificazione. La giovane compagnia Fibre Parallele manda in cortocircuito la passione di Gesù con Mangiami l'anima e poi sputala mescolando il vissuto di coppia alla spettacolarizzazione della religione.

Recensione a Mangiami l'anima e poi sputala – Fibre Parallele

foto di Carlo Quartararo

Altarini e immagini religiose da venerare, programmi radiofonici di preghiere e ossessioni spirituali, un Cristo in croce e una stereotipata donna meridionale vestita di nero. Non è una messa cristiana. Non è una sacra rappresentazione. Mangiami l'anima e poi sputala del giovane gruppo pugliese Fibre Parallele è il ritratto di un vissuto di coppia, di un innamoramento che nasce e poi esplode, ma che si mescola con dogmi religiosi mandandoli in cortocircuito. Prendendo le mosse dalla passione di Cristo e ribaltandola, i fondatori della compagnia Licia Lanera e Riccardo Spagnulo sono due personaggi, non del tutto sconosciuti – fra tradizione biblica e luoghi comuni – che si incontrano: lei, sola e devota, invoca chi sulla croce è morto immolandosi per amore; lui si pulisce le macchie di sangue che hanno identificato il suo costato per più di duemila anni e scende dalla croce per rispondere alla chiamata della povera donna. È l'inizio di un amore e, proprio come dice timidamente Licia Lanera «i fiori spuntano dalle crepe dell'asfalto»; nessuno se lo aspetta: se Cristo è una sorta di zingaro dall'accento slavo, più dedito alle passioni carnali che a una divina spiritualità, la protagonista femminile personifica tutti gli stereotipi di un Meridione fortemente attaccato alla religione e dalla devozione assidua.

foto di Carlo Quartararo

I bravi attori divertono con la loro irriverenza mettendo in scena un Gesù che cerca una sigaretta, si piazza sulla poltrona di casa della giovane, sfrutta la sua cucina; ma allo stesso tempo tenta di liberarla dalla sua ristrettezza mentale, cercando di farle ascoltare le proprie pulsioni: sembra riuscirvi a tratti, in momenti pieni di ironia, convincendola che il loro è un vero amore che va consumato e vissuto a pieno. Ma neanche Cristo riesce a far cambiare idea alla donna che dopo essersi concessa massacra senza pietà con una mannaia il corpo del figlio di Dio che vive per una seconda volta la sua storia, la sua passione,  tornando così sulla croce. Tra canzoni kitsch e romantiche, trasmissioni radiofoniche religiose date da preghiere e ossessioni spirituali, momenti di ilarità ed emozioni – in cui vien fuori tutta la solitudine di una donna cresciuta tra dogmi e bigottismo – Mangiami l'anima e poi sputala riesce a stupire, divertire e insieme far riflettere su quelle imposizioni morali che continuano a dettare legge nella vita di molti.

Visto al Teatro Fondamenta Nuove, Venezia

Carlotta Tringali

Teatro Fondamenta Nuove continua a stupire. Dopo aver arricchito l'arido inverno appena passato con la sua programmazione, risponde questa volta ai sempre maggiori tagli alla cultura proponendo una “co-residenza” all'interno del progetto Resi/Dance. Le protagoniste dell'operazione combinatoria sono state Silvia Gribaudi e Chiara Frigo, vincitrici delle ultime due edizioni del premio Giovane Danza D'Autore Veneto. Nel corso della residenza le coreografe hanno inizialmente lavorato singolarmente, sviluppando le proprie ricerche fatte a partire dal progetto Choreoroam 2009,  per poi giungere ad un'ultima fase in cui hanno lasciato comunicare i loro linguaggi fino alla presentazione, in una prova aperta, di un unico lavoro. L'ironia della Gribaudi si è accostata alla sacralità della Frigo con fare addizionale che tutto lascerebbe pensare tranne che la messinscena sia il risultato di un così breve incontro, di una collaborazione che ha consentito alle giovani artiste di confrontare le proprie estetiche in uno stesso spazio e in unico studio.

La ricerca di Silvia Gribaudi si concentra sulla comunicabilità, sulla relazione tra il corpo umano e i materiali in scena e tra questi e il pubblico, in una tripartizione di sguardi complici e dipendenti l'uno dall'altro. Waiting è il titolo del suo ultimo progetto. Ciò che emerge fin dall'inizio, pur considerando lo stato embrionale del lavoro e la presentazione di questo in condizioni differenti rispetto alla concezione originaria (il lavoro è pensato per più danzatori e non come solo) , è il livello di attenzione richiesto. La danzatrice occupa la scena coprendosi il corpo con un pannello di polistirolo forato. Indaga il materiale, interagisce con esso, guarda il pubblico e “aspetta”. Attende che l'unione tra corpo e materia le permetta un'evoluzione: una reale e brusca rottura del materiale che a Fondamenta Nuove ha fatto sobbalzare lo spettatore. All'attesa e all'evanescenza di una meta finale fa da contrappunto la successiva sequenza in cui la Frigo, in una corsa circolare attorno ai resti di polistirolo, diviene ostacolo tra la Gribaudi e il materiale. Il progetto di Chiara Frigo, Non so stare, emerge gradualmente dal lavoro d'insieme. Come nella sua poetica, il movimento, per non apparire meccanico e artefatto, deve partire da gesti quotidiani, per poi potersi esprimere in tutta la sua bellezza e ritualità. Ed è proprio in chiusura che il corpo nudo della danzatrice accovacciato a terra, abbandona la sua materialità e attraversa lo spazio scenico come in un percorso estatico.

L'iniziale Chi pensi che io sia? posto come interrogativo dalla Frigo rimane aperto, così come altre affascinanti tematiche solo accennate. Che queste rientrino nel progetto dell'una o dell'altra artista non ha importanza perché la serata ha incuriosito così tanto che non si può che restare in attesa di vedere entrambi i lavori completi.

Visto al Teatro Fondamenta Nuove, Venezia

Elena Conti

Presentata a Ca'Farsetti nella mattinata di giovedì 25 febbraio la seconda parte della stagione 2009-2010 del Teatro Fondamenta Nuove. Anche per la primavera il teatro si conferma luogo di produzione, scambi e vetrina per i nomi più innovativi della ricerca teatrale, musicale e coreografica.

Presentazione della stagione primaverile del Teatro Fondamenta Nuove di Venezia

Grafica: Tankboys

...va svelato il finale. Ma i nomi che andranno a comporre la seconda parte della stagione 2009-2010 del Teatro Fondamenta Nuove, quelli sì, vengono finalmente svelati dal direttore Enrico Bettinello e da Carlo Mangolini, consulente artistico per la sezione Movimenti, in una delle sale di Ca' Farsetti, sede del Comune di Venezia. A fare gli "onori di casa" la dott.ssa Angela Fiorella, dirigente dell'area delle produzioni culturali e dello spettacolo e primo sostenitore, insieme alla Provincia, del teatro lagunare.

Anche per i mesi primaverili il teatro si conferma essere non solo luogo di rappresentazione, ma uno spazio ben più prolifico e polivalente, andando ad ospitare residenze, momenti di confronto tra artisti e pubblico, fino a divenire sala di registrazione. Mantenendo, infatti, la divisione in sezioni risultata vincente, nelle scorse edizioni, − Risonanze per la musica, Movimenti per il teatro e Resi/Dance per la danza − Bettinello, insieme ai suoi collaboratori, riafferma la volontà di fare del Teatro Fondamenta Nuove un luogo di produzione e sostegno delle realtà più innovative delle varie espressioni artistiche.

Già domenica 28 febbraio, infatti, il teatro ospiterà per il secondo anno consecutivo le semifinali di Giovane Danza d'Autore della Regione Veneto, premio che fa parte della rete AnticorpiXL. Con i coreografi in lizza, il teatro si propone di instaurare un legame che va ben aldilà di un evento di un solo giorno, invitandoli a partecipare a workshop, lezioni e momenti di confronto. Silvia Gribaudi e Chiara Frigo, infatti, vincitrici delle ultime due edizioni del Premio GD'A, saranno in residenza per una settimana e ne presenteranno l'esito in una prova aperta il 25 marzo. In maggio sarà, invece, il danzatore e coreografo norvegese Stian Danielsen ad abitare gli spazi del teatro tenendo anche una open class aperta a coreografi e danzatori.

Grafica: Tankboys

Inizio in grande stile anche per Risonanze, con un duo tra il batterista olandese Han Bennink ed il sassofonista e clarinettista Daniele D'Agaro il 13 marzo. Si resta nel magico sound del jazz anche in aprile con gli Orange Room, gruppo italiano che fa capo al collettivo/etichetta Al Gallo Rojo, che durante la residenza nel teatro incideranno il loro nuovo disco. Tutta un'altra musica − elettronica e rock − quella dei To Rococo Rot, che a Venezia presenteranno dal vivo la loro ultima fatica discografica: Speculation. La stagione si chiude con un grande ospite internazionale, la band made in USA Parenthetical Girls, guidata da Zac Pennington: il loro concerto, previsto per il 6 maggio, sarà occasione di ascoltare, in anteprima, alcuni brani del loro nuovo progetto Privilege.

A Carlo Mangolini il compito di presentare, invece, la sezione Movimenti, che sarà segnata, in questa sua seconda tranche, da un ritorno alla parola − ma non per questo alla tradizione, tutt'altro − grazie agli emiliani Menoventi con Invisibilmente, ai pugliesi Fibre Parallele con Mangiami l'anima e poi sputala e i veneti − per la prima volta in Veneto! − Fagarazzi&Zuffellato con Desert/Dessert (serata lounge condotta da Jacopo Lanteri e Wen Ting Yang il 4 marzo) e Eminirc (11 marzo). Coerente con lo slogan scelto per questa stagione, Mangolini non svela molto degli spettacoli in cartellone, lasciando al pubblico la curiosità e la sorpresa di scoprire queste innovative realtà della scena nazionale.

Ciò che invece tiene, giustamente, a sottolineare, è l'impegno assunto, anche con la sezione di teatro contemporaneo B.Motion di Bassano che dirige, con il sostegno e la promozione per i gruppi emergenti che, negli ultimi anni, sono potuti crescere ed affermarsi. Quattro delle compagnie che l'anno passato hanno fatto parte della stagione del Teatro e sono state coprodotte da B.Motion − Santasangre, Teatro Sotterraneo, Muta Imago e Babilonia Teatri − hanno recentemente vinto il Premio Speciale Ubu 2009, uno dei massimi riconoscimenti del teatro italiano. Non solo un mero seppur assolutamente comprensibile motivo di orgoglio, ma un chiaro segnale di star procedendo nella direzione giusta per dare un sostegno concreto e una forte impronta al teatro di domani.

Silvia Gatto

]]> http://www.iltamburodikattrin.com/eventi/2010/a-chi-entra-a-teatro-non/feed/ 0 http://www.iltamburodikattrin.com/recensioni/2010/verba-manent/ http://www.iltamburodikattrin.com/recensioni/2010/verba-manent/#comments Mon, 08 Feb 2010 11:21:12 +0000 Silvia Gatto http://www.iltamburodikattrin.com/?p=6316 Il Teatro Universitario Giovanni Poli di Venezia registra il tutto esaurito per Babilonia Teatri, che riportano nella città lagunare il loro successo made in italy per la rassegna "Declinazioni di Drammaturgia" organizzata dalla Fondazione di Venezia.

Recensione a Made in Italy - Babilonia Teatri

foto di Marco Caselli Nirmal

Sineddoche di tutta Italia, il natio Nord Est viene usato da Babilonia Teatri come luogo privilegiato di raccolta d'espressioni vernacolari e pregiudizi - ormai divenuti intercalari  - per costruire una panoramica che riflette l'intero stivale.  L'ipocrisia ed i luoghi comuni captati nella loro città, Verona, divengono punto di partenza per una tragicommedia punk tutta made in italy - che è valsa alla compagnia il Premio Scenario 2007.

Frasi razziste, bestemmie, modi di dire, testi di canzonette ed espressioni giuridiche si aggrovigliano come i neon della scena svelando, illuminandosi a intermittenza, significati altri e spiazzanti accostamenti. Attraverso una non-recitazione urlata e ritmata, Valeria Raimondi ed Enrico Castellani vomitano un testo che, procedendo per collegamenti stupidamente  e genialmente logici, restituisce una fotografia del nostro Paese nauseante. Un'Italia fatta di tifo calcistico sfegatato, strisciante xenofobia mascherata da "sacrosanta difesa dell'identità nazionale" e funerali in diretta televisiva nella disperata ricerca di un eroe e di un'audience di cui andare orgogliosi.

Le scene si susseguono con lo stesso criterio apparentemente illogico della struttura drammaturgica, alternate a momenti in cui i due bravissimi attori si abbandonano a manifestazioni di incontrollabile energia, ballando con incredibile autoironia canzonette (come Acida dei Prozac+, un vero cult demenziale da "pogo" di un'intera generazione). Una sorta di Blob teatrale non volto alla costruzione di un racconto, ma di un senso. Un Blob, però, non fatto di immagini, ma soprattutto di parole.
Anche la vittoria degli azzurri ai mondiali di calcio e il funerale di Pavarotti vengono ricordati in scena solo attraverso la registrazione audio della diretta: immagini presenti in qualche antro della nostra mente, ormai assuefatta dalla quotidiana overdose a potenziare la memoria visiva. Ma chi ricorda le parole che sono state dette in quelle occasioni?
Nell' "era della riproducibilità tecnica" , l'antico motto "verba volant" non è più così effettivo: con un'operazione  di elevazione al quadrato, Babilonia Teatri conclude lo spettacolo con la voce degli attori stessi registrata e prestata a un coretto kitsch di nani e biancanevi da giardino, simbolo per eccellenza del benpensante qualunquista. Ciononostante nessuno sembra dare più peso alle parole: riascoltarle senza avere nulla da guardare – i due attori restano pressoché immobili, in tableau vivant , durante la riproduzione audio – restituisce alle parole la loro capacità di significare, smascherando il populismo, la finta enfasi e la vacuità della comunicazione televisiva imperante.

Quello dei Babilonia è un teatro innovativo, irriverente, tagliente, grottesco, divertente e di parola: se, negli anni, quest'ultima espressione è divenuta sinonimo di "tradizionale", in contrapposizione al teatro "di ricerca" che ha sviluppato maggiormente l'aspetto immaginifico e visuale della scena, alla giovane compagnia si deve riconoscere anche il merito di aver contribuito a sgretolare, con irruente semplicità, questa sterile categorizzazione.
La parola non è mai invecchiata: è il modo di portarla in scena che può soffrire di accademismi ormai superati nella sensibilità comune. Babilonia Teatri ha inventato un modo tutto suo di farlo, in un'Italia in cui la televisione è al potere la loro operazione è quanto mai necessaria e profondamente intelligente, perché non si chiude in una nicchia di filosofici concettualismi e alte espressioni, ma sfrutta proprio il linguaggio televisivo per porgere agli spettatori uno specchio limpido nel quale riflettersi, riconoscersi e scoprire cosa si è diventati.

Visto al Teatro Universitario Giovanni Poli, Venezia

Silvia Gatto

]]> http://www.iltamburodikattrin.com/recensioni/2010/verba-manent/feed/ 0 http://www.iltamburodikattrin.com/recensioni/2010/benvenuti-a-emerald-city/ http://www.iltamburodikattrin.com/recensioni/2010/benvenuti-a-emerald-city/#comments Sun, 07 Feb 2010 15:01:18 +0000 Carlotta Tringali http://www.iltamburodikattrin.com/?p=6309

Foto di Enrico Fedrigoli

Un tappeto sonoro fatto di preghiere e racconti privati in diverse lingue. Chi è in ascolto? Il pubblico, ovviamente, ma non è il solo. Hitler, inginocchiato come nell'istallazione Him dell'artista Maurizio Cattelan, è il grande ascoltatore che si trasforma, in Emerald City di Fanny & Alexander, in un confessore.

Recensione a Emerald City – Fanny & Alexander

Foto di Enrico Fedrigoli

La duplicità ha sempre giocato un ruolo molto importante nel lavoro teatrale della compagnia ravennate Fanny & Alexander. Una coppia, la drammaturga Chiara Lagani e il regista-scenografo Luigi de Angelis, che firma insieme l'ideazione di ogni percorso progettuale lungo e complesso: un viaggio dentro un'opera letterale che viene totalmente sviscerata, analizzata e amplificata in tutte le sue infinite possibilità.

Ricomponendo e scomponendo attraverso diverse tappe Il meraviglioso mago di Oz – storia fantastica scritta da Frank Baum all'inizio del secolo scorso e resa ancor più celebre con il film di Victor Fleming – Fanny & Alexander offre la possibilità al pubblico veneziano di giungere a Emerald City, la città utopica abitata da colui che dà il nome al romanzo. La duplicità si presenta sin da subito: gli spettatori non sono semplici osservatori di ciò che succede, ma artefici stessi – forse inconsapevoli – della situazione che si viene a creare; seduti sul palco sono loro stessi un'opera, loro stessi gli artisti e soprattutto diventano gli abitanti della ingannevole città di smeraldo. Ingannevole perché immediatamente il gioco dei rimandi si complica: il mago di Oz, a cui nel romanzo i personaggi rivolgono i loro desideri, trova la sua personificazione in una delle immagini simbolo del potere, niente di meno che Hitler. Posto davanti a uno sfondo spaziale che richiama i quadri/vuoti materici e illusionistici di James Turrell, la geniale coppia romagnola alza la posta in gioco decidendo di mostrare il dittatore, di fronte agli spettatori, in ginocchio: l'interprete Marco Cavalcoli ricorda volutamente l'installazione Him dell'artista Maurizio Cattelan.

Foto di Enrico Fedrigoli

Immobile e bonario, Hitler rimane in ascolto, diventando una specie di confessore: un tappeto sonoro fatto di voci, preghiere, emozioni e racconti privati in diverse lingue lo avvolge, mentre gli spettatori possono sentire la stessa “sinfonia” – come la definisce Chiara Lagani – tramite delle cuffie che rendono le confessioni ancora più intime. L'attore-dittatore assorbe ciò che gli viene detto riflettendo tutte le emozioni umane attraverso una mimica facciale più comprensibile del linguaggio verbale composto da suoni stranieri, suoni che girano attorno ai concetti di “cuore, cervello e coraggio”, tre virtù dell'uomo. Questa nenia di desideri umani crea Oz, quel grande vuoto a cui i personaggi del romanzo danno una forma differente, secondo il proprio volere. E infatti se nella prima parte il dittatore è più uomo e meno mostro, nella seconda parte di Emerald City l'attore Cavalcoli scompare, lasciando il posto a una proiezione 3D: invitando a mettere degli occhialini verdi – occhiali per la visione in 3D forniti al pubblico all'ingresso del teatro – l'immagine silenziosa di Hitler e alcune scritte proiettate alla parete spingono gli abitanti della sua città color smeraldo a seguirlo. E gli abitanti-spettatori – vinti dalla tecnologia accattivante e dalle fascinose possibilità del video – seguono, come fossero sotto incantesimo, gli ordini di Hitler in tutto e per tutto. Potrebbero riecheggiare qui le parole della famosa canzone The sound of silence di un'altra coppia, Simon & Garfunkel: “e la gente si inchinava e pregava/ al Dio neon che aveva creato. E l'insegna proiettò il suo avvertimento/ tra le parole che stava delineando. E l'insegna disse: 'le parole dei profeti/sono scritte sui muri delle metropolitane/e sui muri delle case popolari'.”

Fanny & Alexander mostrano il potere dell'arte della persuasione, la pericolosità di immagini e oggetti che attraggono e mandano a casa lo spettatore solo a posteriori conscio di aver partecipato, anche solo per gioco, alla follia di Hitler. Si rabbrividisce al solo pensiero: essere omologato e seguire un dittatore nei suoi folli capricci non è né così improbabile o impensabile né poi così lontano dalla nostra quotidianità come si crede.

Visto al Teatro Universitario Giovanni Poli, Venezia

Carlotta Tringali

Approfondimento del laboratorio Cuore tenuto da Anagoor al Teatro Fondamenta Nuove di Venezia

Pulsazione, ritmo, ma anche sede privilegiata, per tradizione, dei sentimenti e delle emozioni: il Cuore viene, così, eletto dalla compagnia Anagoor a metafora e sintesi dell'allenamento del performer. E per l'omonimo laboratorio condotto negli spazi del Teatro Fondamenta Nuove, in collaborazione con Giovani a Teatro della Fondazione di Venezia, a un piccolo gruppo di studenti viene data la possibilità di sperimentare il training che la compagnia impiega abitualmente nel suo processo di ricerca.

Simone Derai - al quale è affidata la direzione del laboratorio con la collaborazione di Marco Menegoni e Moreno Callegari - svela fin da subito le sue "origini" che affondano nel Teatro Settimo e nelle figure di Mirko Artuso, Laura Curino e Gabriele Vacis , riproponendone "la schiera" come training di partenza del lavoro con i ragazzi. In fila l'uno affianco all'altro, i passi di dieci ragazzi si trasformano lentamente in quelli di un unico corpo: il semplice camminare in sincronia diviene elemento base per il sentire ed il muoversi di un gruppo e strumento privilegiato di concentrazione. Solo dopo aver trovato la compattezza ci si possono permettere delle singole variazioni; una volta che il ritmo è condiviso e fatto proprio da tutti i membri, l'iniziativa personale è libera di agire all'interno di quelle pulsazioni comuni.

Parallelo e complementare al lavoro della schiera è la ricerca di un'intensità ed un'emozionalità sentite e restituite dall'intero gruppo. Attraverso un lavoro di virtuali e molteplici specchi, i partecipanti si muovono nello spazio compatti, imitandosi a vicenda alla ricerca di un gesto ed un incedere comuni.
Il lavoro di mimesi - intesa non come imitazione pedissequa di una postura, ma come restituzione fisica di un'emozione trasmessa dal gesto a cui si deve far riferimento - viene portato avanti, oltre che a coppie o in gruppo, anche in relazione a delle immagini: ai partecipanti era stato infatti richiesto di presentarsi in teatro con "un'icona di riferimento" che per loro avesse una qualche rilevanza.

Come i nostri lontani antenati, nella notte dei tempi, osservando il cielo hanno unito con l'immaginazione stelle tra loro lontanissime disegnando nella volta celeste animali, figure umane, miti e storie, così gli Anagoor chiedono di trattare le immagini raccolte. I ragazzi compongono le loro personali ed emotive costellazioni, che vedono collegata alla Pietà di Michelangelo magari un'immagine di superman, e poco più in là l'Urlo di Munch, o il Marat di David insieme ad Arlecchino. Queste mappe di immagini accompagnano i ragazzi tutti i tre giorni di laboratorio e divengono fonte di ispirazione per la ricerca emotiva di una gestualità, in scena, carica di senso e sentimento. Una gestualità che fa dell'equilibrio e dell'appoggio i suoi canoni fisici privilegiati per poter passare dal lavoro individuale (in cui il performer interagisce con un muro) a quello collettivo - con il contatto fisico.

Tre lavori paralleli, quindi, che trovano il loro punto di contatto in una costante ricerca di una pulsazione comune, solo dalla quale può prendere vita un atto scenico sincero ed emozionante.

Silvia Gatto

]]> http://www.iltamburodikattrin.com/approfondimenti/2010/il-cuore-degli-anagoor/feed/ 0 http://www.iltamburodikattrin.com/approfondimenti/2010/controscena-e-scena-la-parola-agli-artisti/ http://www.iltamburodikattrin.com/approfondimenti/2010/controscena-e-scena-la-parola-agli-artisti/#comments Fri, 22 Jan 2010 15:38:23 +0000 Roberta Ferraresi http://www.iltamburodikattrin.com/?p=5845

Mercoledì 13 gennaio, al Teatro Aurora di Marghera, artisti, critici, operatori si sono incontrati per fare il punto sulla nuova scena teatrale italiana: molti gli interventi, le visioni e le sfaccettature emerse alla seconda edizione di Scena & Controscena, convegno a cura di Teatro Aurora - Questa Nave e Fondazione di Venezia.

foto di Tommaso Saccarola

Scena & Controscena: un giorno, anzi, un pomeriggio, per fare il punto sul panorama teatrale contemporaneo. Una sessione di interventi che cerca di fare luce un po' su tutto: dal punto di vista degli operatori (con Massimo Paganelli di Armunia, Carlo Mangolini di OperaEstate ed Elena Lamberti, che opera nell'organizzazione e nella promozione) e da quello dei critici (con Andrea Nanni, Giambattista Marchetto e Valeria Ottolenghi), fino a tutti i vari elementi connessi con l'aspetto formativo: è presente il rapporto fra teatro e università (Andrea Porcheddu, critico e docente accademico) come la questione della formazione dei formatori (Maurizio Schmidt, che è stato direttore della Scuola d'Arte Drammatica “Paolo Grassi” di Milano, dove tuttora insegna), fino alle diverse strategie concepite e messe in atto dalle scuole, con le testimonianze di Claudio de Maglio, direttore della Civica Accademia d'Arte Drammatica “Nico Pepe” di Udine, e Renato Gatto, direttore dell'Accademia Teatrale Veneta. E poi gli artisti, con la voglia di riconoscersi e incontrarsi, accostarsi e discostarsi. Tanti, fino ad occupare a più livelli tutto il profilo del palcoscenico del Teatro Aurora, che ospita la giornata di discussione: dai nomi ormai noti della ricerca nazionale – Babilonia Teatri, Pathosformel, Santasangre, Teatro Sotterraneo, Cosmesi – fino ai più nuovi e nuovissimi, destinati a farsi spazio sulla scena che è stata affettuosamente definita in vari modi, dalla Generazione T di Renato Palazzi di quest'estate, alla “00” proposta da Andrea Nanni durante il convegno stesso.
Impossibile dare voce alla varietà e alla complessità degli interventi che si sono succeduti nel corso di Scena & Controscena: si è parlato della sterilità dei premi e dei percorsi innovativi per ridare loro forma, delle strategie di sostegno e accompagnamento più originali messe in campo negli ultimi anni e che hanno condotto, fra l'altro, allo sviluppo di questa nuova scena italiana, ma si è discusso anche di ipotesi di continuità, di festival che forse chiudono e di nuove possibilità che si aprono... C'è l'esperienza di Armunia – riferimento indiscusso per ogni iniziativa che intenda instaurare un rapporto diverso fra artisti e pubblico – e quella dei festival più giovani che, invece che proporsi come vetrina, hanno scommesso, sulla stessa linea della rassegna toscana, su progetti di residenza e confronto più a medio e lungo termine. E non c'è che dire, i risultati si vedono: ogni sera sui palcoscenici di tutta Italia, che da anni non vivevano una stagione così vivace, e anche oggi, con la presenza massiccia e varia degli artisti a Scena & Controscena, a cui è dedicata la seconda parte della giornata. Difficile rendere conto, sulla scena così come negli interventi, delle innumerevoli specificità che si susseguono e si intrecciano, dalle difficoltà di produzione e di circuitazione alla necessità di ritrovare un diverso rapporto con lo spettatore, dall'interrogazione intorno all'inclusione in una generazione fino al cauto discostarsi dalla collocazione a Nordest – che era anche uno dei temi proposti per l'incontro – da cui, appunto, gran parte degli artisti prendono le distanze, pur senza dimenticare la rilevanza del lavoro di alcuni illuminati operatori, organizzatori, direttori artistici, che proprio in questo territorio hanno fatto strada nel rinnovamento delle formule di presentazione e nell'invenzione di vie di rapporto alternative fra scena e platea, fra progetto e produzione, fra sviluppo e distribuzione.
Andrea Nanni, in apertura, ha proposto alcuni elementi che –  pur nella grande varietà – mettono in relazione il lavoro delle tante compagnie presenti e che qui ci piace riprendere, per mettere in fila lo sguardo dall'esterno sulla nuova scena (ma anche quello interno, con le necessarie distanze e differenze): esiste una rinnovata attenzione per la realtà, che viene portata in scena attraverso linguaggi diversi e non così vincolanti, così come anche una particolare attenzione e curiosità nei confronti dello spettatore; fuori da ogni chiusura e ingenuità, si trova, diffusissimo, il tentativo di attuare strategie di incontro fra la necessità di lavorare e lo sviluppo della propria poetica.
E poi, aggiungono gli artisti, il merito è delle tante piccole realtà che abbiamo visto nascere (alcune volte svilupparsi, altre trasformarsi, altre ancora esaurirsi) negli ultimi anni: il giro di boa, condiviso da tutti, è attorno al 2007, una coincidenza talmente travolgente e ampia da destare il sospetto che non sia così casuale, come ricorda Paola Villani di Pathosformel. Tutto è esploso un paio d'anni fa. A Roma, col lavoro del Rialto Santambrogio, del Kollatino e delle compagnie, ma anche in Centro Italia e, naturalmente, a Nord, con in primis Drodesera e OperaEstate.
E agli artisti, anche, il compito di declinare le suggestioni introdotte dai critici. Ad esempio nei confronti del rapporto col pubblico: non è importante che lo spettatore capisca qualcosa, «tanto non ci stiamo capendo niente neanche noi», sottolinea Daniele Villa di Teatro Sotterraneo. Deve piuttosto interrogarsi sulla realtà sbozzata dalle compagnie, ognuna a suo modo, e la ricerca è quella di una nuova forma di condivisione – della bellezza, ma anche dello spaesamento e della resistenza.
Un'ultima cosa è chiara, e resta pressante anche a distanza di qualche giorno, così vogliamo portarla in conclusione a questa testimonianza. È un'invocazione, una preghiera, un consiglio: quello, per piacere, di non tentare definizioni, categorizzazioni, incasellamenti di alcun tipo. La motivazione, fra le altre, più convincente è quella di Roberta Zanardo di Santasangre: la definizione di una generazione rimanda necessariamente a un rapporto col passato, mentre i giovani qui presenti invocano, piuttosto, l'ipotesi di una relazione col futuro che dovranno affrontare. A noi critici sta di cogliere l'augurio e farlo riecheggiare (in recensioni, chiacchierate e incontri o quello che si vuole e si può). E di non lasciarlo perdere nelle parole di un giorno, affinché quella che si è fatta conoscere e si è riconosciuta, potentemente, come una nuova generazione della scena contemporanea, non sia costretta, nel giro di qualche anno, come spesso è accaduto nel nostro Paese – dalla regia critica alla Postavanguardia ai Teatri Novanta gli esempi si sprecano – a rientrare nei ranghi, riconvertendosi alle forme di un sistema che solitamente ha preferito alimentare se stesso (anche andando alla continua famelica scoperta del nuovo) piuttosto che sostenere seriamente lo sviluppo dell'innovazione che si era appena proposta.

Roberta Ferraresi

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foto di Claudia Fabris

Abbiamo incontrato Paola Vannoni e Roberto Scappin del gruppo Quotidiana.com. La giovane compagnia riminese formatasi nel 2003, con Tragedia tutta esteriore arriva ad una sintesi della società che vive. Un teatro aggressivo, provocatorio, che riflette lo sgomento dell'esistenza, il rifiuto da parte dell'attore ad un teatro di personaggio e l'ingresso in quella zona d'ombra che è la messa in scena della società così come la si vede: apatica, senza interessi, spenta.

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Abbiamo incontrato Paola Vannoni e Roberto Scappin del gruppo Quotidiana.com. La giovane compagnia riminese formatasi nel 2003, con Tragedia tutta esteriore arriva ad una sintesi della società che vive. Un teatro aggressivo, provocatorio, che riflette lo sgomento dell'esistenza, il rifiuto da parte dell'attore ad un teatro di personaggio e l'ingresso in quella zona d'ombra che è la messa in scena della società così come la si vede: apatica, senza interessi, spenta.

Tragedia tutta esteriore: Un dialogo, serrato e impersonale, racconta il triste consumarsi di due vite, legate, forse, ma certamente esauste, l'una dell'altra. Un ossimoro, che allontana e al contempo coinvolge; il pubblico ride al cinismo di alcune battute, e ne viene toccato proprio dall'apatia ricercata con cui si esprime questo lento sgretolarsi. La sensazione è quella d'uno stillicidio, violenza compressa, veleno, tacita esasperazione di un amore nato morto.

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foto di Alvise Nicoletti

Si è concluso al Teatro Fondamenta Nuove di Venezia il laboratorio di tre giorni curato dalla compagnia Pathosformel. Ultimo di un percorso di ricerca iniziato a maggio, il laboratorio ha esplorato le diverse possibilità del gesto anatomico, più precisamente la possibilità di "collezionare gesti" analizzandoli e studiandoli fino a creare un vero e proprio manuale tecnico, anzi una collezione.

Si è concluso al Teatro Fondamenta Nuove di Venezia il laboratorio di tre giorni curato dalla compagnia Pathosformel. Ultimo di un percorso di ricerca iniziato a maggio, il laboratorio ha esplorato le diverse possibilità del gesto anatomico, più precisamente la possibilità di "collezionare gesti" analizzandoli e studiandoli fino a creare un vero e proprio manuale tecnico, anzi una collezione.
Noi Italiani siamo famosi all'estero per il nostro "gesticolar parlando", è frequente addirittura trovare nei libri d'italiano per stranieri vere e proprie traduzioni dei gesti che utilizziamo più di frequente: gesti codificati e con precisi significati e riferimenti ad azioni. Non sono questi i gesti che interessano ai Pathosformel. La giovane compagnia, formatasi a Venezia, ha iniziato a maggio un percorso di laboratori  intorno al concetto di "collezione di gesti", una ricerca che si conclude proprio in questi giorni e che darà i suoi frutti a marzo prossimo con il debutto a Milano della nuova produzione dal titolo provvisorio: Una collezione anatomica.

È possibile considerare i nostri gesti come oggetti? Ogni essere umano nasce e, crescendo, crea un suo personalissimo linguaggio del corpo, a volte inconsapevole e automatico, ma che dice molto del proprio modo di essere. Sfiorarsi i capelli, stropicciarsi gli occhi, sfregarsi le mani, guardarsi le unghie: sono movimenti che si collezionano nell'arco di una vita.
In tre giorni Paola Villani e Daniel Gubbay hanno guidato una decina di ragazzi alla ricerca di un manuale tecnico, esplorando i concetti di "gesto" e di "collezione", condividendo e confrontando i passi di un percorso artistico destinato a crescere.
Un lavoro che si avvicina molto a quello di un anatomista: studio e definizione di oggetti e concetti, sezionando e scavando il fare quotidiano fino ad arrivare agli strumenti del fare performativo. Il gesto viene così definito come semplice angolazione degli arti creata dalla contrazione e il rilascio dei muscoli del corpo. I parametri della ricerca vanno dalla frammentazione scientifica del movimento per uno studio di precisione e conoscenza dell'atto in sé, alla ripetizione meccanica fino alla creazione di una partitura fisica.

Lo scopo è quello di svuotare il gesto da ogni intento espressivo o mimetico, renderlo consapevole e scomponibile in unità riproducibili. Punto fondamentale di questo lavoro è la concezione che un movimento, anche se privo di identità, mantenga comunque una certa intimità, la stessa intimità che gli permette di far parte dell'insieme. Il gesto in quanto oggetto perde il suo valore d'uso per entrare nell'anonimato della collezione; altro concetto fondamentale che ha guidato il lavoro di questi tre giorni. Una forma compositiva aperta, ma anche un sistema fragile che, basato sull'accostamento e l'enumerazione, è in continuo mutamento e costante ridefinizione di se stesso. «Affianco due oggetti: ecco la mia collezione, quella a cui ora posso finalmente attribuire un titolo. Ne accosto un terzo e d'improvviso il lavoro fatto fino ad ora è distrutto: dovrò per forza riformulare da capo quello che permette ai tre oggetti di stare all'interno di questa nuova collezione».

Come comporre una partitura partendo da questi presupposti? Sulla scena un continuo accostamento di "og-gesti" che, proprio per la loro vicinanza, portano l'occhio umano a legarli e relazionarli creando quadri, immagini, storie. Lo sguardo dello spettatore sarebbe sempre coinvolto nel processo creativo: sarà la mente a completare la collezione dandole un titolo ogni volta diverso. Un procedimento di risignificazione del visivo, che si compie grazie alle fessure lasciate aperte nella produzione. È la spersonificazione del gesto che lo rende aperto, accostabile e pronto ad accogliere sempre un nuovo significato.
Questo modus operandi è stato centro del laboratorio, un momento di scambio e confronto ricco, basato sulla condivisione di esperienze più che sull'insegnamento di saperi, una finestra aperta a sguardi sempre nuovi.

Camilla Toso

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Abbiamo incontrato Daniel Blanga Gubbay e Paola Villani della compagnia Pathosformel dopo il laboratorio di tre giorni tenuto al Teatro Fondamenta Nuove. Il gruppo, nato a Venezia nel 2004 e formatosi a partire da diverse discipline, ha tenuto l'ultimo laboratorio intorno il tema della collezione di gesti, tematica sulla quale lavora dal maggio di quest'anno e che sarà punto focale della nuova produzione che debutterà a Milano nel marzo prossimo.

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Abbiamo incontrato Daniel Blanga Gubbay e Paola Villani della compagnia Pathosformel dopo il laboratorio di tre giorni tenuto al Teatro Fondamenta Nuove. Il gruppo, nato a Venezia nel 2004 e formatosi a partire da diverse discipline, ha tenuto l'ultimo laboratorio intorno il tema della collezione di gesti, tematica sulla quale lavora dal maggio di quest'anno e che sarà punto focale della nuova produzione che debutterà a Milano nel marzo prossimo.